Enquanto um livro de arte significa genericamente todas as publicações que se referem à arte (tais como catálogos, monografias de artistas, tratados e críticas…), um livro de artista é uma obra de arte que utiliza o livro como formato. Por vezes é a própria forma do livro, outras vezes é a sua função que inspira a obra. Por vezes, os livros de artista recorrem a formas sofisticadas de impressão, paginação e encadernação, ao ponto de criarem verdadeiros objectos de arte (os livros-objectos, por outras palavras), e por vezes é a apresentação do conteúdo, mesmo numa forma convencional, que impressiona. Por vezes são edições limitadas em poucos exemplares únicos, outras vezes são produzidos em grande número de exemplares para permitir uma distribuição económica.
O livro de artista pode, portanto, assumir várias estruturas e ser distribuído de várias maneiras, desde as mais tradicionais às mais experimentais; o que distingue o livro de artista de qualquer outra publicação é a sua capacidade de perturbar as expectativas sobre a essência, a forma e a função de um livro.
Desde a génese do livro como produto impresso, no século XV, que os artistas têm desempenhado um papel ativo na sua ilustração. No entanto, os livros como verdadeiros objectos de arte surgiram no século XX, com o advento das vanguardas. São famosos, a este respeito, os livros de artista do Futurismo, dos quais pode encontrar alguns dos exemplos mais notáveis neste artigo.
Aqui, decidimos concentrar-nos nas evoluções da segunda metade do século, quando, sobretudo a partir dos anos 60, o livro de arte deixou de ser um objeto elitista para se tornar um instrumento de comunicação pop. Os exemplos propostos não serão certamente capazes de fornecer uma visão completa das inúmeras e extraordinárias formas que os livros de artista assumiram nas últimas décadas, mas foram escolhidos para mostrar algumas abordagens e para nos intrigar no sentido de uma compreensão mais profunda do fenómeno.
Bruno Munari, Quadrante Illeggibile Bianco e Rosso, 1964. 25 x 25 cm
A partir dos anos 50, os artistas europeus experimentaram sobretudo o formato livro, produzindo obras com encadernações e métodos de impressão invulgares. Um artista que trabalhou extensivamente no formato de livro com grande engenho, imaginação e inventividade foi Bruno Munari. Em 1949, Munari começou a produzir uma série de livros ilegíveis, nos quais investigou o formato do livro e a sua utilização, renunciando ao conteúdo textual em favor de uma comunicação exclusivamente visual.
Entre eles, o Quadrante Illeggibile Bianco e Rosso, composto por 40 folhas de cartão vermelhas e brancas de várias formas. A cada nova página, o espetador é confrontado com uma nova combinação. A sobrecapa é constituída por uma folha dobrada várias vezes para formar um sistema de triângulos, sobre a qual se encontra uma nota biográfica de Bruno Munari traduzida em 8 línguas.
Dieter Roth, Pequena receita experimental, 1969. 8,8 x 8,8 x 8,8 cm
Outro mestre europeu do livro de artista é o sueco Dieter Roth, que começou por criar livros utilizando as técnicas de impressão que aprendera quando trabalhava numa agência de publicidade, tendo depois expandido a sua arte de uma forma mais inovadora e radical, imprimindo todo o tipo de conteúdos (poesia concreta, artigos de jornal, formas abstractas) em plástico e outros materiais baratos, chegando mesmo a integrar alimentos nos seus livros.
Little Tentative Recipe é um livro em miniatura, do tamanho de um cubo, contido numa caixa originalmente feita para saquetas de chá. No seu interior, contém 800 impressões offset a cores feitas por estudantes da Watford School of Art, seguindo as instruções (receitas) de Dieter Roth.
Edward Ruscha, Twentysix Gasoline Stations, 1963. 17,9 x 14 cm
Entretanto, nos Estados Unidos, em Los Angeles, Edward Ruscha produzia livros como obras de arte seguindo regras totalmente diferentes: impressão comercial e barata, grandes tiragens, sem assinaturas e a preços acessíveis. De facto, Ruscha, com a sua série de livros contendo apenas uma coleção de fotografias sobre um tema específico, especificado no título da capa, foi um pioneiro na história dos livros de artista.
A intenção do artista era tornar a sua obra tão barata, acessível e facilmente transportável quanto possível, transferindo a arte dos museus e galerias para a rua.
Vincenzo Agnetti, Livro esquecido da memória, 1969. 70 x 50 cm
Um dos exemplos mais limpos e racionais de arte concetual sob a forma de um livro é o Libro dimenticato a memoria (Livro esquecido pela memória) de Vincenzo Agnetti, em que uma grande parte das páginas foi removida, restando apenas algumas.
O livro é uma metáfora do paradoxo da memória: só esquecendo é que se pode deixar espaço para aprender o que está para vir.
Tauba Auerbach, RGB Colorspace Atlas, 2011. 8 x 8 x 8 pol. (20,3 x 20,3 cm)
Após as longínquas experiências dos anos 60, o livro, na era digital e décadas após o primeiro anúncio da sua morte iminente, está a tornar-se novamente um meio amplamente explorado pelos artistas.
É graças às novas ideias, às novas técnicas, às novas possibilidades de (auto)publicação provenientes do mundo digital e da Web, que o livro de artista recupera energia.
Extremamente interessantes são as experiências de Tauba Auerbach, uma artista americana que vive entre Nova Iorque e São Francisco. RGB Colorspace Atlas é um livro em forma de cubo que, como o seu nome indica, representa todas as cores possíveis dentro da gama de cores RGB: um modelo de cor concebido para ecrãs.